Categoria: Cultura

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MAGIA DA MÚSICA

Por Denise Lagrotta, do time da HumansCanFly e colunista da Escola São Paulo

“Música dá alma para o universo, asas para a mente, voo para a imaginação, e vida para tudo” – Platão

A vida é permeada pela música. Ela nos permite sonhar, vibrar, relaxar, focar, imaginar. Também nos motiva, nos diverte, nos emociona. Mas vai muito além disso.

Escritos de mais de 4000 anos na China, Índia e Egito relatam que a música era utilizada para o bem estar, elevação espiritual e fins terapêuticos. No Ocidente, a palavra música nasceu na Grécia  — onde “Mousikê” significava “A Arte das Musas” — e era considerada um fenômeno de origem divina, ligada à magia e à mitologia.

Albert Einstein tinha uma forte ligação com a música. Para ele “a música e a pesquisa em física originam-se de fontes diferentes, mas são intimamente relacionadas e ligadas por um fio comum, que é o desejo de exprimir o desconhecido”.

Para o compositor Philip Glass, música é troca, diálogo, compartilhamento.

A musicoterapia trouxe benefícios à ex-ginasta Lais Souza após o grave acidente que lhe retirou  movimentos de braços e pernas. Ela chegou a perder a capacidade de respirar e revelou que os exercícios de canto a fizeram melhorar muito.

Estudos recentes apontam que a música ajuda no tratamento de Alzheimer e de outras doenças neurológicas. Pelo conteúdo emocional, a música alcança determinadas áreas cerebrais que ativam áreas da memória.

O neurologista Oliver Sacks escreveu sobre este fenômeno no livro Musicophilia: Tales of Music and Brain. Ele diz que esses pacientes perdem sua autobiografia, mas ao ouvirem a trilha sonora de uma época anterior eles podem recuperar não só a memória dos próprios sons, como também os eventos que lhe são inerentes, propiciando momentos de prazer e paz.

A Organização Music & Memory — dedicada a ajudar os idosos a se conectar à música, incluindo a coleta de iPods usados para doação – traz o registro da história comovente do paciente Henry, que ganha vida quando escuta músicas de sua juventude.

O compositor Robert Alexander transforma dados científicos de satélites espaciais em sons que agradam aos ouvidos e ajudam a fazer descobertas. Ele acredita que há alguns fenômenos que podem ser entendidos diretamente e intuitivamente pela análise visual, já outros fazem mais sentido se ouvidos.

Um experimento desenvolvido pelo brasileiro Eduardo Miranda pode transformar em realidade os sonhos de milhares de músicos profissionais e amadores. Trata-se do projeto de neurotecnologia musical que “lê pensamentos” com a ajuda de uma espécie de touca que capta ondas cerebrais e promete transformá-los em música, mudando completamente o processo tradicional de composição.

A música também tem o poder de transformação, como o exemplo inspirador da orquestra que nasceu do lixo.

Podemos encontrar inúmeras razões para traduzir o alcance da música na nossa vida. Mas a música transcende à razão.

Via IDEAPLEX

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SER IGUAL É LEGAL?

Rodrigo Polack responde!

A cena é comum: você termina de se arrumar para sair, olha para o lado e se depara com as mesmas cores no look do seu boy (ou girl!). Coincidência? Não acredito. I believe in sintonia, harmonia and energia. E viva o “IA”! 

Quando estamos com alguém, ou os interesses em comum são muitos ou não dá certo. Os olhares em relação à estética podem até se divergir no início da relação, mas com o tempo (sem querer mesmo!), um entra no universo do outro. E para falar a verdade, essa troca de afinidades é um ótimo exercício e pode sim ser divertidérrimo. 

Nas inúmeras vezes em que aconteceu comigo, não pensei duas vezes e já fui trocando uma peça ou outra (como stylist, me sinto no dever de mudar e não deixar para o outro), até o meu look ficar com uma linguagem própria. E sabe o mais curioso? Mesmo com as mudanças, os dois ainda tinham unidade. Cada um na sua, mas com alguma coisa em comum. Esse é o segredo.
Por outro lado, existem casais que amam sair de par de vasos. Sabe aquela festa que 80% das pessoas se veste da mesma forma? A mesma camisa com 3 botões desabotoados, a tal calça justa com o joelho rasgado, a t-shirt italiana do momento, aquelas duas marcas de relógio, a icônica bolsa de correntes douradas, o copiado scarpin de tachas… Tudo isso são símbolos. E essas pessoas que se vestem em códigos, são as mesmas que não se importam em se vestir iguais aos outros. Mas vamos combinar o quão boring é uniforme. 

Casais gays caem nessa armadilha facilmente por um motivo mais que óbvio… o mesmo sexo. Alguns funcionam como esponja, absorvendo a imagem do outro. E não me refiro apenas às roupas. Cabelos e corpos também entram nesse “copy paste”. Quando há uma troca, pode até ser saudável. Quando apenas um estilo prevalece… cilada. 

Quem nunca se deparou com um casal totalmente descoordenado nos looks? Ela montada na renda e salto e ele de calça jeans, tênis e pólo. A impressão que dá é que não conversam nunca sobre nada. Dois estranhos que não conhecem um ao outro. Uma ajudinha a quem fica perdido na hora de se vestir, custa paciência e alguns minutos do seu precioso tempo, mas é uma superprova de amor.
Sempre me perguntei qual a piração dos pais que vestem gêmeos idênticos de forma idêntica. São pessoas diferentes, com personalidades distintas. Além de gerar uma confusão em quem não é tão íntimo da família, confunde a cabecinha dos pobres coitados, que já passam a vida tentando provar que não são a mesma pessoa. 

Lembra do boom das coleções que tinham o mesmo vestido para a mãe e para a filha? Ainda existem, mas não, também não acho legal. De duas uma, ou a mãe fica com cara de Mary Poppins, com vestido rodado, ou a filhinha usa mini saia de couro, coitada. No No No. 

Já falei isso antes por aqui, mas não custa reforçar… seja a melhor versão de você mesmo! Agora, se duas versões diferentes tiverem pontos em comum… DIN DIN DIN, O CASAL VAI BRILHAR, SIM!


Rodrigo Polack é stylist há 15 anos, professor da Escola São Paulo no curso Styling, apresentador do programa 5  Looks, no Discovery Home & Health, ao lado de Chris Flores e colunista semanal da Revista QUEM Inspira.  Clique aqui para ler a matéria original.

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O QUE ESTÁ POR TRÁS DAS ROUPAS QUE VESTIMOS?

Moda é expressão e inspiração, mas também pode ser consciência ecológica e social. Afinal, as roupas que usamos não surgem do nada nas prateleiras, mas são confeccionadas por pessoas e têm uma história por trás sobre as quais precisamos saber. Nos últimos anos, diversas iniciativas começaram a ser realizadas com o intuito de fazer as pessoas entenderem qual o verdadeiro custo da moda e que a compra é apenas o último passo de uma longa jornada que envolve diversos personagens e cenários.

Um exemplo desses projetos é o Fashion Revolution criado por um conselho global de líderes da indústria da moda sustentável após o desabamento do edifício Rana Plaza, em Bangladesh, há cinco anos. Classificado como o quarto maior desastre industrial da história, o desabamento deixou 1.133 mortos (na sua maioria mulheres) e 2.500 feridos. No local, funcionavam diversas confecções que forneciam insumos para grandes redes da moda no mundo. O desastre fez com que as pessoas olhassem com mais atenção para a cadeia de produção da moda. “Nós queremos que você pergunte: ‘Quem fez minhas roupas?’. Essa ação irá incentivar as pessoas a imaginarem o “fio condutor” do vestuário, passando pelo costureiro até chegar no agricultor que cultivou o algodão que dá origem aos tecidos”, explica Orsola de Castro, co-fundadora do movimento.

Realizado anualmente em mais de 100 países, incluindo o Brasil, o Fashion Revolution motivou em 2017 a criação da #whomademyclothes, campanha que contou com a adesão de 100 mil pessoas e que pedia às empresas de moda que abrissem o seu portfólio e informassem ao público quais  eram suas fábricas fornecedoras. O objetivo era identificar quais e quantas marcas faziam negócios com fornecedores que utilizam mão de obra escrava ou oferecem condições de trabalho perigosas e insalubres para seus funcionários.

Mais de duas mil empresas compartilharam informações sobre a sua cadeia produtiva e criaram uma nova hashtag, a #imadeyourclothes (eu faço a sua roupa). A repercussão das iniciativas fez com o que o governo de Bangladesh aumentasse em 77% o salário mínimo da área e inspecionasse mais de 1.300 fábricas em seu território. Paralelamente, 76 marcas (nomes como Zara, Mango, Valentino, UNIQLO e H&M, que, juntas, representam 15% da produção têxtil no mundo) aderiram à campanha Detox my Fashion 2020, criada em 2011 pelo Greenpeace com o objetivo de eliminar a utilização de produtos químicos na cadeia produtiva da moda.

A tragédia em Bangladesh também foi o fator que motivou o diretor Andrew Morgan a produzir o impactante documentário The True Cost. Na obra, Morgan ouviu ativistas pelos direitos humanos, trabalhadores, donos de fábricas têxteis, produtores de algodão e economistas – os representantes dos grandes grupos de varejo, contudo, não quiseram conceder entrevista. “A indústria do vestuário é a indústria mais dependente do trabalho humano no mundo, empregando milhões de trabalhadores que são os mais pobres de todo o sistema, muitos dos quais são mulheres. Muitas destas mulheres recebem menos do que um salário mínimo, trabalham em condições inseguras, e são privadas de direitos humanos básicos. Além do impacto humano, a moda se tornou a segunda indústria mais poluente do mundo – perdendo apenas para a indústria do petróleo”, explica o diretor.

A produção (disponível na Netflix) repercutiu no mundo inteiro e ganhou comentários de figuras famosas ligadas ao mundo da moda, como a atriz Sarah Jéssica Parker. Em entrevista ao The Edit, ela declarou que desde que viu o filme mudou os seus hábitos de consumo e passou a praticar o upcycling, comprando roupas usadas para o seu filho de 14 anos e adquirindo produtos em sites de leilão de peças vintage e brechós on-line.

Se você quiser aderir à campanha, o Fashion Revolution disponibiliza em seu site um pôster com o slogan do projeto. Para baixá-lo, clique aqui!

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VISIONÁRIOS DA QUEBRADA

Documentário apresenta empreendedores da periferia de São Paulo que estão mudando a realidade de suas comunidade

Retratar como moradores da periferia estão transformando a realidade de suas comunidades com iniciativas inovadoras. Este é o principal objetivo do documentário Visionários da Quebrada. “A ação surgiu da pesquisa e do desejo de saber sobre as transformações sociais a partir do nosso protagonismo. A gente começou a questionar a história [da forma como ela é contada], que sempre nos colocou no lugar de receptores, e não de realizadores”, explica Ana Carolina, idealizadora e diretora do filme, em entrevista ao site Bol. 

Nascida e criada no Capão Redondo, bairro da zona sul de São Paulo, Ana Carolina desenvolveu a produção em conjunto com a amiga Maria Clara Magalhães e outros amigos – juntos eles integram o coletivo Visionários da Quebrada. Com o apoio da Fundação Arymax, uma entidade sem fins lucrativos, realizaram as filmagens (captaram cerca de 40 horas de material) e recorreram a um financiamento coletivo na internet para editar, finalizar e distribuir o filme. 

“O que vem me fazendo ser um visionário é acreditar que o futuro é aquilo que a gente projeta”
– Dimas Reis Gonçalves

 

Com duração de 90 minutos, o documentário apresenta a história de dez jovens de bairros como Capão Redondo, São Mateus, Jardim Nakamura, Brasilândia, entre outros, com iniciativas bastante plurais. Empreendedores como o jornalista e gastrônomo Guilherme Petro, um dos criadores do Prato Firmeza – Guia Gastronômico das Quebradas de São Paulo; a educadora Rose Modesto, que coordena o Centro de Profissionalização de Adolescentes em São Mateus, na zona leste da capital; e Dimas Reis Gonçalves, morador da Brasilândia e ativista com atuação nas áreas da cultura, saúde e meio ambiente. “O que vem me fazendo ser um visionário é acreditar que o futuro é aquilo que a gente projeta”, afirma Gonçalves, em entrevista ao site Brasil de Fato. 

Para Ana Carolina, o documentário retrata personagens que conseguiram romper a barreira da invisibilidade. “Acreditamos nas mudanças estruturais vindas das margens, nos saberes das periferias e na potência das pessoas engajadas na construção de suas comunidades. É um convite para atravessarmos as pontes que já estão construídas”, explica, em entrevista ao portal Almanaque de Cultura Popular. O documentário está disponível gratuitamente pela plataforma Taturana Mobilização Social e qualquer pessoa ou instituição pode organizar uma exibição coletiva em seu espaço e ser uma parceira do filme. Basta se cadastrar e agendar a sessão para ter acesso à produção. Confira abaixo o teaser do documentário: 

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FRANCA SOZZANI, A TRANSCENDÊNCIA NA MODA

Ousada, autoconfiante, visionária e sonhadora. Estes são alguns dos adjetivos mais usados para definir a personalidade de Franca Sozzani. Criadora de uma linguagem própria, a ex-editora-chefe da Vogue Itália transformou a publicação em uma referência para além do universo fashion. 

Foto: Peter Lindbergh

Nascida na Itália em 1950 e formada em Filosofia e Literatura pela Universidade de Mantua, Franca ingressou no universo editorial em 1976, na Vogue Bambini, trabalhou na revista feminina Lei e assumiu o comando da Vogue italiana em 1987 – na qual permaneceria por 28 anos. 

O idioma foi o primeiro grande desafio enfrentado por ela ao se tornar responsável pela publicação. Apesar de a Itália ser um país importante para o universo da moda, o fato de poucas pessoas lerem ou falarem italiano no mundo limitavam o alcance da revista. A estratégia escolhida por Franca para ultrapassar a barreira idiomática foi investir na contação de histórias por meio das imagens, um posicionamento que mudou para sempre os editoriais de moda.

“Eu queria me comunicar com todos, então pensei em criar imagens que fossem feitas para falar. O normal era a foto servir como um suporte para o texto, mas nós fizemos o contrário, reduzindo as palavras para o mínimo possível.”

Por acreditar que moda é muito mais do que roupas na passarela, a italiana fez da revista uma plataforma para reflexão de questões políticas e culturais que impactaram o mundo nas últimas três décadas. Apostando no talento e na visão de fotógrafos visionários como Peter Lindbergh, Bruce Weber e Steven Meisel, ela criou editoriais polêmicos que debateram questões como a fixação por cirurgias plásticas, direitos da população LGBT, o novo papel da mulher na sociedade, entre outras questões. “Atravessei vários mundos por meio do ponto de vista deles.”

Moda, Arte, Política e Reflexão

Em setembro de 2006, a publicação apresentou o editorial State of Emergency que remetia ao reforço no sistema de segurança dos aeroportos após os atentados terroristas de 11 de setembro de 2001 nos EUA. No ano seguinte, a revista discutiu a onda de reabilitação das celebridades em Supermodels Enter Rehab.

Black Issue – Steven Meisel

Inspirada pelo protesto contra racismo no segmento da moda realizado por um grupo de ativistas em Nova York, Franca lançou em 2008 uma edição especial apenas com modelos negras na capa e no recheio. Batizada de Black Issue, a publicação trouxe as modelos Tyra Banks, Liya Kebede, Sessilee Lopez, Jourdan Dunn e Naomi Campbell – além de ensaios com personalidades negras como a ex-primeira dama estadunidense Michelle Obama e o diretor Spike Lee – e buscou refletir sobre a importância da diversidade na moda. O impacto foi enorme: a edição foi a mais vendida da Vogue Itália, demandou duas reimpressões e aumentou em 30% a receita da revista.

The Black Barbie Issue – Cristina Dell’Oro e Gabriele Inzaghi

Em comemoração aos 50 anos da Barbie, e aos 30 anos do lançamento da Barbie negra, a editora lançou, no ano seguinte, um suplemento apenas com versões negras da boneca, batizado de The Black Barbie Issue. “A Barbie tem sido um ícone para gerações inteiras e é por isso que eu realmente quis dar um forte sinal de acordo com os tempos e dedicar a edição de aniversário à Barbie Negra“, declarou Franca na época. 

Water & Oil – Steven Meisel

Em 2010, a revista voltou aos holofotes com o editorial Water&Oil. O ensaio trouxe a modelo Kristen McMenamy vestida de preto, coberta de óleo e jogada no meio de uma praia, numa clara alusão aos animais que morreram no acidente provocado pela British Petroleum (BP) e que resultou no vazamento de milhões de barris de petróleo no mar do Golfo do México. 

Belle Vere – Steven Meisel

Em junho do ano seguinte, a publicação trouxe modelos plus size de lingerie em sua capa com o título Belle Vere, ou Belas Reais. Um ano antes, a publicação havia lançado em seu site o canal Vcurvy que apresenta conteúdo de moda para mulheres fora do padrão de beleza vigente.

“Um número cada vez maior de leitores quer ver o mundo real, habitado por pessoas reais, retratado na revista. São pessoas normais, não obcecadas em serem magras, que aceitam e respeitam seus corpos como eles são” 

Mas nada foi mais polêmico que o editorial  Horror Movie, de 2014, no qual a revista abordou a violência doméstica. Inspirado nos filmes de terror de diretores como Dario Argento e Stanley Kubrick, o ensaio se tornou notícia no mundo inteiro. 

Horror Movie – Steven Meisel

Em uma das imagens, por exemplo, uma modelo aparece morta aos pés da escada vestindo um vestido vermelho da marca Prada enquanto um homem está sentado segurando uma arma. Numa outra foto, uma modelo surge ensanguentada e gritando em uma escada próxima ao seu agressor. Acusada de oportunismo, Franca se posicionou. “Na Itália, a cada três dias uma mulher morre assassinada por um parente, pelo marido ou pelo namorado. A ferramenta que eu tenho [para protestar contra isso] é uma revista de moda”, declarou. 

“Não importa se corremos o risco de causar um tumulto geral com a mídia ou despertar críticas; ou se somos acusados de explorar questões sociais graves apenas para alavancar as vendas nas bancas de jornal. O que é importante para nós é que pelo menos uma das dezenas de mulheres que sofrem violência todos os dias possa sentir a nossa proximidade.” 

No documentário Franca: Caos e Criação, dirigido pelo filho da editora, Francesco Carrozzini, o CEO da CondéNast Internacional Jonathan Newhouse, responsável pela edição da Vogue, contou que chegou a pensar em demitir Franca devido às constantes polêmicas relacionadas ao seu trabalho. “Editar revistas não é arte. É um trabalho comercial. Franca tinha ido longe demais”, relembra, no filme. “A moda é muito maior do que um vestido”, disse ela em uma entrevista. “Por que uma revista de moda não pode falar sobre o que está acontecendo no mundo? Não quero só que gostem da revista. Quando não gostarem, também teremos feito nosso trabalho”, acrescentou. 

Ao lado de Anna Wintour, editora-chefe da Vogue EUA, de quem era amiga há três décadas, Franca formou a dupla mais poderosa e criativa do mundo da moda, descobridoras de grandes talentos e criadoras de tendências. “Ela não estava apenas à frente do nosso tempo. Ela estava à frente da nossa coragem, de muitas maneiras.”, declarou Anna em um discurso em homenagem à editora italiana. 

Franca morreu em 2016, aos 66 anos, de um tipo raro de câncer do pulmão contra o qual lutava há um ano. Ela faleceu ao lado do filho. “É preciso ser leve na vida. Leveza para mim é quando a profundidade leva você a voar alto.”, disse certa vez. No mundo da moda talvez ninguém tenha voado tanto e tão alto quanto ela. 

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CONHEÇA A PINACOTECA, O MAIS ANTIGO MUSEU DA CIDADE

Conhecer prédios históricos, museus, ruas e comércios é uma maneira eficaz de vivenciar a cidade em que se mora. Em São Paulo, há inúmeros locais que oferecerem uma experiência única da cidade e podem ser visitados de carro, ônibus, metrô, trem e bicicleta.  

A Pinacoteca é um deles. Instalado no prédio que abrigou o Liceu de Artes e Ofícios, projetado por Ramos de Azevedo em 1897, é o mais antigo museu da capital e tem como foco a arte visual brasileira produzida entre os séculos 19, 20 e 21. Quando inaugurada, em 1905, a Pinacoteca possuía apenas 26 pinturas de artistas da cidade. O evento de inauguração contou com a presença do então presidente da República, Rodrigues Alves, do presidente do Estado, Jorge Tibiriçá e de outras autoridades.  

Atualmente, o espaço mantém um acervo de 11 mil obras composto por pinturas de importantes artistas paulistas, como Almeida Júnior, Pedro Alexandrino, Antônio Parreiras e Oscar Pereira da Silva e Almeida Júnior, Pedro Alexandrino e Oscar Pereira da Silva, além de Cândido Portinari, Anita Malfatti, Victor Brecheret, Tarsila do Amaral e Di Cavalcanti. O museu realiza cerca de 30 exposições anualmente e recebe cerca de 500 mil visitantes durante o período.  

De 1993 a 1998, o museu passou por uma ampla reforma chefiada pelo arquiteto Paulo Mendes da Rocha. O projeto, elogiado em todo o mundo, foi considerado um ótimo exemplo da união entre arquitetura antiga e moderna e conquistou, no ano 2000, o Mies Van der Rohe, um dos mais importantes prêmios da Arquitetura no mundo.

MEMORIAL DA RESISTÊNCIA
Em 2004 a Pinacoteca incorporou o edifício do Largo General Osório que, originalmente, pertencia à companhia Estrada de Ferro Sorocabana e servia de armazéns e escritórios do empreendimento. O prédio foi reformado pelo arquiteto Haron Cohen e rebatizado de Estação Pinacoteca, ou Pina_Estação, e recebe parte do programa de exposições temporárias do museu.  

No térreo do espaço, funcionou, entre os anos 1940 e 1983, a sede do Departamento Estadual de Ordem Política e Social de São Paulo (Deops/SP), uma das polícias políticas mais truculentas do país, principalmente durante a Ditadura Militar. Após a incorporação ao museu, foi instalado no local o Memorial da Resistência de São Paulo que tem o objetivo de preservar as memórias da resistência e da repressão política do Brasil. No local, estão preservados parte dos registros do antigo órgão de repressão e há uma cela restaurada aberta para visitação. 

O Memorial da Resistência de São Paulo é, desde 2009, membro institucional da Coalizão Internacional de Sítios de Consciência, uma rede mundial que agrega instituições constituídas em lugares históricos dedicados à preservação das memórias de eventos passados de luta pela justiça – o Museum of Women’s Resistance (MoWRe), sobre feminismo, e o Memorial de Auschwitz, dedicado às vítimas do nazismo, integram a mesma rede.

PRIMEIRO JARDIM PÚBLICO DA CIDADE 


Localizado ao lado do prédio da Pinacoteca, o Jardim da Luz abriga obras de Amilcar de Castro, Marcelo Nietsche, Leon Ferrari e Lasar Segall. Tombado como patrimônio histórico, o espaço foi a primeira área de lazer da cidade, criada em 1798.  

Até meados do século XIX, o jardim era pouco frequentado pelos paulistanos, mas a partir da inauguração da Estação da Luz, em 1867, e da instalação de um observatório astronômico, o lugar passou a ser parada obrigatória não apenas dos moradores da cidade, mas também dos viajantes que chegavam à capital de trem vindos do interior do Estado ou de Santos.  

No ano de 1930, o museu foi ocupado pelo exército durante dois meses e transformado em quartel-general. Dois anos depois, o prédio foi ocupado novamente durante a Revolução Constitucionalista.  

SERVIÇO 
Endereço: Praça da Luz, 02 – em frente à estação Luz do Metrô e da CPTM
Horário de funcionamento: de quarta a segunda, das 10h às 17h30
Ingressos: R$ 6,00, sendo R$ 3,00 reais a meia-entrada para estudantes com carteirinha (aos sábados a entrada é gratuita) 
Informações: (11) 3324-1000 e pinacoteca.org.br
Informações adicionais: a Pinacoteca possui bicicletário e estacionamento gratuitos.

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O SALÁRIO EMOCIONAL E A BUSCA PELA FELICIDADE NO TRABALHO

Se há alguns anos a remuneração salarial era o fator decisivo no momento de escolha de um emprego, nos dias de hoje ela é apenas um dos elementos levados em consideração. Mais que o aspecto financeiro, as pessoas buscam realização profissional e bem estar e, muitas vezes, optam por salários mais baixos apenas para ter a garantia destes benefícios.

Estes elementos de cunho mais subjetivo compõem o chamado salário emocional, que,conceitualmente, é um conjunto de incentivos emocionais que proporcionam um clima positivo e fazem com que os colaboradores se envolvam com a empresa, aumentando o comprometimento e a produtividade. O termo foi inspirado na proposta da Felicidade Interna Bruta (FIB), uma medida de riqueza criada no Butão, país da Ásia, que avalia o índice de bem estar da população.

Em linhas gerais, o termoengloba tudo o que pode ser oferecido pela empresa e pelo gestor aos colaboradores, mas que não pode ser contabilizado financeiramente.Ações que façam com que o profissional sinta-se reconhecido pelas suas ações, engajado nos desafios do cargo ocupado e com a percepção de que suas necessidades não apenas profissionais, mas também pessoais, estão sendo atendidas.

O assunto está totalmente ligado a um movimento recente e que tem ganhado cada vez mais adeptos: o das pessoas que buscam serem felizes no trabalho. “A empresa não pode assumir a responsabilidade de fazer as pessoas felizes, mas ela tem de admitir que pode fazer as pessoas infelizes”, analisa Fábio Luchetti, presidente da Porto Seguro, em entrevista à revista Época Negócios.

A busca pela felicidade é uma realidade, sobretudo, entre os jovens profissionais. “Se a empresa não criar um ambiente de apoio, o jovem não vai querer estar dentro dela. Ele tem de estar conectado conosco”, afirma Luchetti. “Oferecer um salário emocional nada mais é do que praticar a empatia”, destaca Eliana Dutra, coach e sócia-diretora da empresa decoaching e treinamento Pro-Fit, em entrevista ao jornal Brasil Econômico

“Sabemos que as metas são fundamentais, que resultados determinam os negócios, mas perceber as pessoas e ser percebido como indivíduo têm sido sem dúvida umas das práticas mais modernas de relacionamento dentro da empresa. A remuneração pode até ser o que atrai um bom profissional para um emprego, mas o que o mantém dedicado é o salário emocional”. Novos tempos exigem novas maneiras de se enxergar e de se posicionar no mundo.

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REPENSANDO NOSSAS CIDADES

Nos últimos 50 anos, o mundo tem vivenciado um intenso movimento migratório das populações para os grandes centros urbanos. Hoje, a maior parte das pessoas vive em metrópoles, uma concentração motivada, principalmente, pela busca por melhores oportunidades que gera impactos, como problemas de infraestrutura e de acesso ao saneamento básico, por exemplo, e demanda uma ressignificação do conceito de cidade e de como nos relacionamos com ela.  

O Mextrópoli: Festival de Arquitectura y Ciudad é uma iniciativa que tem justamente o objetivo de discutir essa nova dinâmica e refletir, por meio da arquitetura, sobre qual seria o modelo ideal de cidade capaz atender a esta nova demanda. “Há o consenso de que devemos repensar os espaços urbanos e criar cidades que sejam inclusivas e que privilegiem os pedestres. Até os políticos repetem isso. Porém, são ainda os carros que definem as nossas cidades”, analisa Miquel Adriá, criador do evento, o mais importante da América Latina, e diretor da revista Arquine, referência na área de Arquitetura, em entrevista ao Informador. 

Criado no México em 2014, o Mextrópoli reúne anualmente mais de 50 mil participantes e conta com diversas atividades, como mesas de diálogo, conferências, exposições, lançamentos de livros, instalações, projeções de filmes e documentários e passeios a pé e de bicicleta pela cidade. A ideia geral é experimentar a cidade, refletir sobre seus aspectos políticos, sociais e estéticos e pensar um projeto em conjunto que envolva não apenas arquitetos e urbanistas, mas também artistas, cineastas, escritores e, claro, a sociedade.  

Entre os convidados deste ano, estiveram os arquitetos Rafael Aranda, Carme Pigem e Ramón Vilalta, ganhadores do Premio Pritzker, o premiado arquiteto colombiano Felipe Uribe e o cineasta mexicano Alfonso Cuarón, que apresentou a Brigada.mx, plataforma criada para ajudar as comunidades afetadas pelo terremoto de setembro de 2017 na Cidade do México. “A proposta consiste em conectar esforços mapeados de acordo com as necessidades de cada comunidade nas diversas regiões que foram afetadas”, explicou o premiado diretor em entrevista ao jornal El Sol Del Mexico. 

A edição de 2018, realizada entre os dias 17 e 20 de março, debateu justamente a reconstrução da cidade após a tragédia e a união da sociedade civil diante da ausência das autoridades no processo. O evento também discutiu a situação do Chile que, oito anos após o terremoto que atingiu o país, quase não implementou nenhuma ação de prevenção efetiva em suas cidades. “São dados preocupantes que requerem ações contundentes. A cidade seguirá aqui susceptível a tremores e nós também. Com o conhecimento e a tecnologia que temos hoje em dia não se justifica que os edifícios caiam”, analisa Adriá.

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60 HORAS DE COPAN

Símbolo de arquitetura moderna e modelo de convivência urbana, Copan é tema de documentário

Considerado por especialistas como exemplo de arquitetura moderna e convivência coletiva nos grandes centros urbanos, o edifício Copan é o personagem central do documentário Copan 60 Horas. Produzido pelo canal GloboNews, com roteiro e direção da jornalista Cristina Aragão, a obra se propõe a mostrar como a arquitetura interfere na vida dos habitantes.

A ideia do projeto surgiu a partir de uma entrevista do premiado arquiteto e urbanista Paulo Mendes da Rocha à jornalista no programa Milênio. Na ocasião, ele apontou o edifício como símbolo da democracia do convívio em ambientes urbanos e da utopia social defendida pelo seu criador, Oscar Niemeyer.

Projetado na década de 1950, no centro da capital paulista, o Copan é composto por seis blocos, 35 andares, 1.160 apartamentos e mais de cinco mil habitantes, de diferentes idades, perfis e classes sociais. Para captar o cotidiano e a essência do edifício, Cristina Aragão alugou uma quitinete no 14º andar do bloco , o mais popular dos seis blocos, e permaneceu no local por 60 horas – ou dois dias e meio – com sua equipe percorrendo corredores, galerias e entrevistando moradores.

“O Copan tem uma representação simbólica muito grande. É um estilo de vida em que as pessoas acreditam que o convívio com o outro, o diferente, é possível.

As galerias do térreo permitem que o público e o privado convivam. Há uma integração entre os moradores e as pessoas de fora.” Destacou Cristina Aragão em entrevista à Folha de São Paulo

“As motivações pelas quais as pessoas escolhem morar no Copan são das mais variadas. Umas, pela vista privilegiada da cidade, outras, pela localização central, mas um ponto em comum é a arquitetura. O crise-soleil – espécie de marquise que diminui a incidência do Sol nos apartamentos, mas mantém a entrada da luz -, exerce um fascínio unânime”, completa.

Como resultado, além de informações sobre aspectos técnicos e históricos e as razões que motivam as pessoas a escolherem o prédio como moradia, o documentário conseguiu registrar curiosidades, como as sessões de meditação realizadas às seis da manhã no heliponto do edifício e um apartamento que serve de moradia temporária para alunos e professores de arquitetura de todo o país.

“É uma possibilidade de não ter limites. Eu não tenho limites visuais, meu pensamento vai aonde eu quiser” – Pedro Herz, editor, morador do Copan.

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A OCUPAÇÃO DOS ESPAÇOS PÚBLICOS

São Paulo tem vivido um momento interessante enquanto cidade: a ocupação dos espaços públicos. Reconhecida historicamente como um local no qual as pessoas viviam apenas para trabalhar e fazer dinheiro, a cidade foi, durante décadas, pensada no individual e nunca no coletivo. Não à toa, a ampliação e a melhoria dos sistemas de transporte coletivo nunca foi uma prioridade, ao passo que a criação de avenidas sim. Uma cidade pensada para carros e não para pessoas.

O cenário começou a mudar nos últimos anos, motivado principalmente por uma demanda da população e incentivado por artistas e ativistas que entendem que são as pessoas que dão sentido e vida a uma cidade. “Pessoas nas ruas tornam as cidades seguras”, analisa o multi-artista Felipe Morozini, um dos grandes incentivadores desse fenômeno urbano.

Ele é o criador do premiado projeto de intervenção urbana Jardim Suspenso da Babilônia que, em 2010, desenhou dezenas de flores com cal por todo o Minhocão, deu voz a um desejo da população, chamou a atenção das autoridades e iniciou um debate para transformar o espaço em uma área de lazer. “O Parque Minhocão só pode ser chamado de parque devido a este fenômeno de ocupação urbana. Como pode um lugar que não oferece nenhum atrativo de conforto ser tão importante afetivamente para uma população? Por que resolveram usar o elevado como lazer? Como esta ocupação aconteceu e quais são seus pontos positivos para cidade?”, questiona. “Ao contrário de projetos como o High Line, de Nova York, aqui em São Paulo são as pessoas que estão ocupando e ditando o que vai ser feito, não é a Prefeitura com a iniciativa privada que vai fazer daqui um lugar turístico”, acrescenta.

Morozini reforça que a ideia de ocupação dos espaços públicos é um assunto recente, de pouco mais de cinco anos, e que reflete um momento vivenciado na cidade, uma mudança de comportamento. Um novo jeito de pensar, de viver e de conviver. “Antes, quando eu convidava as pessoas para vir tomar sol no Minhocão, me chamavam de louco. Hoje, acham super legal e vem todo mundo, trazem os filhos, amigos deixam as bicicletas dos filhos na minha casa. Tem muita gente pensando nessa cidade, nessa nova cidade, que não é “carro-dependente”. Novas alternativas de mobilidade, de locomoção”, afirma.