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PRODUTOS E SERVIÇOS VOLTADOS PARA O FUTURO

Por Sabina Deweik, professora da Escola São Paulo dos cursos de

“Cool Hunting” e “Os Novos Paradigmas do Futuro e as Tendências Emergentes“

O que uma marca precisa para ser relevante? Como radiografar a realidade e direcionar a bússola que nos dá a rota para saber, por exemplo, como empreender, como falar com o consumidor em um mundo repleto de novos comportamentos e mudanças? Vivemos o tempo todo uma espécie de FOMO (sigla em inglês que quer dizer Fear of Missing Out), a crescente síndrome da contemporaneidade na qual estamos o tempo todo com a sensação de que não sabemos o que escolher porque parece que sempre estamos perdendo uma enormidade de oportunidades.

Como caçadora de tendências, estudando, observando e captando movimentos e comportamentos há mais de 18 anos, aprendi a olhar não apenas para os movimentos passageiros, mas também para aqueles que têm uma maior duração. Como Cool Hunter, acompanho os chamados “Trend Reports” (relatórios de tendências) e percebo que, na realidade, o que é apresentado como um novo movimento, muitas vezes é apenas a evolução de um comportamento manifestado de outra forma. As tendências podem causar o tal do FOMO. São tantos os novos comportamentos que uma empresa, uma marca, pode ficar perdida e não saber o que escolher para aplicar em seu negócio. Por isso, ao invés de falar apenas de tendências, olhamos para os chamados Paradigmas do Futuro, que já são a certeza de que um movimento pode durar 20 anos. É aí que sentimos o JOMO (Joy of Missing Out), que prega justamente a alegria de não escolher todas as opções.

Os Paradigmas são novas forças que direcionarão o mercado e a sociedade: são novos parâmetros culturais, comerciais, empreendedoriais que estão trazendo uma verdadeira mudança radical na construção do futuro. Eles representam as novas direções. São linhas guia para o desenvolvimento de todas estratégias e projetos de empresas, instituições e consumidores. Um paradigma é uma mudança no imaginário coletivo mundial, uma nova consciência global da qual marcas, instituições, organizações ou indivíduos não podem escapar. Diferente de uma macro tendência, os paradigmas têm um núcleo de estabilidade maior, portanto, têm uma duração no tempo também maior. Os paradigmas perduram por até 20 anos ao passo que as macro tendências tem uma vigência de 6/7 anos.

Os paradigmas apresentados abaixo representam as chaves de leitura para compreender as tendências e suas evoluções no tempo. É como uma moldura, um frame que enquadra múltiplos comportamentos que conversam com o mesmo impulso. Eles são fruto de mais de 20 anos de observação e monitoramento de comportamentos em diferentes setores (são baseados em minha experiência com o renomado instituto de pesquisa de tendências e consultoria estratégica Future Concept Lab, com sede em Milão).

O conhecimento dos paradigmas nos dá a possibilidade de entendimento de inúmeros comportamentos. Sendo assim, para um único paradigma, podem existir inúmeras tendências coexistindo. Como afirma Francesco Morace no livro “O que é o Futuro?”, os paradigmas não são apenas dimensões descritivas e analíticas, mas sim dimensões conceituais e geradoras por meio das quais é possível imaginar projetos e produtos voltados para o futuro.

Então vamos comigo conhecer essas 4 forças que trazem clareza e foco: Crucial & Sustainable, Trust & Sharing, Quick & Deep, Unique & Universal.

Crucial & Sustainable

Esse paradigma diz respeito ao tema da sustentabilidade que está moldando o futuro do nosso planeta e de todos os consumidores do mundo.

O paradigma Crucial & Sustentável é expresso por meio da:

  • vontade e da necessidade de uma nova ética em torno da sustentabilidade
  • capacidade de devolver e oferecer recursos “fundamentais” por meio de valores que tem relevância;
  • necessidade de nutrir comportamentos e modos de pensar que possam minimizar o impacto negativo no ecossistema;
  • sensibilidade rumo a uma mudança ligada a recuperação da consciência coletiva (que não é mais somente de elite) relacionada com o meio ambiente como prioridade;
  • noção de que ser sustentável não é apenas um pensamento ecológico mas também social;
  • combinação entre ética e estética. A nova sustentabilidade é criativa, inovadora e gera desejo.

O Crucial & Sustainable é “Voltar às origens, protegendo ao longo do tempo tudo aquilo que nos circunda: nosso patrimônio econômico, ambiental e, ao mesmo tempo, também social e cultural. Redescobrir a importância dos recursos essenciais, que demonstram ter um papel decisivo em nossas vidas.”, diz Francesco Morace no livro “O que é o futuro?”

Dica:

Se uma empresa quer se manter relevante nos próximos 20 anos, ela precisa refletir em como sua marca pode pensar no coletivo maior. Essa era de transição é definida pela busca dos sentidos e do propósito. “As marcas podem ser disruptivas mas também com um impacto social. Se uma marca pensa e age na era industrial, ela está em um tempo diferente do que vive o seu consumidor”.

Um exemplo é a Tesla que faz carros elétricos com custo baixo e está mudando a mobilidade urbana e impactando o planeta positivamente. O erro está em ver o negócio como uma fábrica gigante de produzir produtos ao invés de cuidar de sistemas humanos reais.

Quick & Deep

Esse paradigma diz respeito a qualidade do futuro que estará cada vez mais em sintonia com a ideia de respeito pelas pessoas normais, pelos consumidores, em busca de experiências felizes, sem perseguir a quimera do luxo. A capacidade de ser rápido, oportuno e acessível deverá ser conciliada com a ideia de felicidade e profundidade de experiência.

O Paradigma Rápido & Profundo enfatiza:

  • a demanda por produtos e serviços simples e eficazes;
  • a capacidade de satisfazer as demandas de uma forma precisa, direta, eficaz e, sobretudo rápida;
  • a necessidade de visar o cumprimento do pedido do cliente que tem sempre menos tempo e mais conhecimento;
  • o desejo de receber de forma rápida e fácil, objetos a qualquer hora do dia ou da noite;
  • a felicidade por meio da fruição e do imediatismo de uso;
  • criar atalhos, acessibilidade e estar onde seu cliente está, entendendo que o tempo hoje é o maior luxo que temos;
  • a noção de que preço e valor são coisas diferentes. Nem sempre, aquilo que tem um preço alto tem um valor alto para o consumidor. Hoje, há experiências acessíveis de grande intensidade para o consumidor.

Segundo o sociólogo Francesco Morace, “é este o paradigma ligado à qualidade do cotidiano, no qual emergem com força os temas da felicidade e da oportunidade”.

Dica:

Acessibilidade com qualidade. O futuro pede pelo cruzamento destas duas dimensões. Um bom exemplo é a o serviço Rent The Runway, que recentemente anunciou uma parceria com o varejista de itens para casa West Welm. A partir da ideia de que a casa costumava ser um lugar privado, mas agora é um lugar público, ou seja os interiores são hoje flexíveis e instagramáveis, é possível combinar qualidade e rapidez. A parceria responde às mudanças de comportamento dos Millennials, que usam produtos de interiores para ter controle criativo sobre espaços alugados. Já que os Millennials e a Geração Z estão constantemente postando fotos de si mesmos em suas casas no Instagram, há uma necessidade de mudança dos interiores sem um custo alto. O serviço atende essa necessidade Quick & Deep.

Aqui vale uma observação sobre instagramável. Em nosso curso online de Arquitetura e Urbanismo, Mila Strauss e Marcos Paulo Caldeira explicam mais sobre esse conceito e mostram como os arquitetos estão incluindo em seus projetos o conceito de instagramável.

Trust & Sharing

O futuro é caracterizado por uma relação muito mais próxima e de confiança, não só com a marca, mas também com toda a empresa em seu complexo orgânico. As grandes empresas terão um novo papel de liderança e responsabilidade social e cultural muito além de seu produto. O compartilhamento irá encontrar a sua importância entre o real e o virtual e a explosão de novas tecnologias e a acelerada afirmação das redes sociais têm papel relevante na transparência da mensagem.

O Paradigma Trust & Sharing reforça a necessidade futura de:

  • renovar a lealdade e o compartilhamento;
  • atingir uma convergência entre o consumidor e a empresa;
  • gerar uma cadeia de valor que é baseada na integração entre o fabricante e o consumidor;
  • confiar uns nos outros;
  • compartilhar sensações e impressões;
  • desenhar o mais alto grau de felicidade à partir da experiência mais comum de produto e serviço;
  • sentir-se, como fabricante e como consumidor, no mesmo barco chamado Marca;
  • assumir a confiança como um pilar do compartilhamento seja no território real, seja no território virtual.

O paradigma Trust & Sharing, segundo Francesco Morace no livro “O que é o Futuro?”, “redefine uma cadeia de valor que toma forma atravessando todos os setores da sociedade e do mercado: a reciprocidade das relações repropõe uma economia das “não equivalências”, regenerando uma relação baseada na lealdade e no compartilhamento entre as pessoas, instituições, empresas e consumidores”.

Dica:

Com a possibilidade de compartilharmos cada vez maior, torna-se essencial o item confiança e transparência. A Yellow é um ótimo exemplo de Trust & Sharing — os patinetes compartilhados que tomaram conta das ciclovias, calçadas e ruas em uma grande parte das capitais brasileiras. O serviço vai crescer ainda mais: a Uber, por exemplo, pretende chegar ao mercado brasileiro com bicicletas e patinetes ainda neste ano. O modelo é apostar na confiança. Os patinetes ficam soltos nas ruas e o usuário desbloqueia seu uso pelo app. A localização é compartilhada no aplicativo para saber onde está o veículo. Depois que você usa, outra pessoa pode utilizar o patinete. Um modelo cada vez mais crescente de pensar os negócios desafiando o antigo sistema do fazer individual e da propriedade privada.

Unique & Universal

Esse paradigma diz respeito a capacidade de produzir e comunicar uma identidade única e distinta, inclusiva e não exclusiva, fundada na dimensão cultural de sua história, de sua identidade. Em um mundo global, torna-se essencial negócios ou pessoas que assumem seu caráter único, sua personalidade, sua maneira única de ser e se expressar no mundo seja como marca ou como ser humano. A diversidade constitui a condição do sucesso dos negócios no futuro.

Por meio do paradigma Único & Universal:

  • a antinomia entre o local e o global será deixada permanentemente para trás;
  • será reconhecido o valor dos produtos únicos e locais;
  • produtos locais serão transformados em opções globais;
  • o caráter distintivo das origens e dos processos será comunicado de modo mais transparente;
  • as mídias sociais serão usadas a fim de criar novas lógicas de distribuição e de comunicação, dando aos produtos locais uma melhor oportunidade de se afirmarem no mercado global;
  • customizado, personalizado, distinto passam a ser conceitos relevantes.

“As empresas e os profissionais que desejem conjugar o paradigma Unique & Universal deverão compreender que a demanda, cada vez mais universal, será suprimida no futuro por ofertas cada vez mais exclusivas”, nos diz Francesco Morace em “O que é o Futuro?”.

Dica

O caráter único é o que diferencia. A diversidade não é momentânea, não é tema de nicho, ela permite a inclusão de quem ficou a parte durante muito tempo. É o ponto de partida para ficarmos mais perto das pessoas e do consumidor. Um exemplo é o reposicionamento da Mattel, fabricante da famosa boneca Barbie, que nos anos 80 refletia um modelo de consumo aspiracional, com uma única boneca magra, alta, loira. Trazendo o novo paradigma, a Mattel trabalha hoje com uma gama de bonecas com diferentes biotipos para se comunicar com essa nova geração.

Saiba mais!

Para se aprofundar nesse universo de pesquisas e análises de tendências, Sabina Deweik desenvolveu com a Escola São Paulo o curso online “Os Novos Paradigmas do Futuro e as Tendências Emergentes”, onde conta mais sobre cada um dos paradigmas citados acima e relaciona cada um deles com tendências emergentes!

#escolasaopaulo #descubra #reinvente #viva

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O QUE É COOL HUNTING?

Um mercado de tendências

O Cool Hunting é um método válido de pesquisa, que proporciona captar comportamentos antes que sejam massificados, e lançar uma inovação que possa ser absorvida pelo consumidor, além de funcionar como uma ferramenta dentro das organizações.

Não é à toa que percebemos pessoas interessadas no futuro, nas tendências, em previsões, pesquisas e tudo que anda saindo na mídia sobre as mudanças que estamos vivendo.

Entender o que vem por aí, e a força com que as mudanças acontecerão é parte estratégica de muitas marcas que pensam em seus produtos e serviços.

Os Cool Hunters trabalham para isso: para captar os sinais que a sociedade emite, interpretá-los e entrega-los às marcas como insights para inovação.

Todo mundo hoje tem muito mais acesso à informação. A grande diferença do cool hunting para a análise de tendências é saber interpretar e correlacionar todo esse mar de conteúdo.

Hoje, é uma profissão, amanhã, uma habilidade.

O que é cool?

Cool é normalmente associado com modas e tendências. Às vezes, cool é equivalente a trendy, mas em todo caso está relacionado com originalidade e inovação – características que podem determinar o sucesso de um projeto. Produtos, elementos surpreendentes podem inspirar os consumidores.           

Portanto, primeiramente, precisamos entender melhor o fenômeno global e suas expressões locais, depois propor soluções que possam atender ou exceder os desejos do consumidor. A observação 360 graus do que está acontecendo nas ruas do mundo, as escolhas das pessoas no que se refere a moda, design, tecnologia, etc.., os eventos e os lugares de interesse nas cidades, são importantes para compreender o que é realmente único.

Cool Hunters

Em particular, o Future Concept Lab começou a contratar, em 1994, jovens profissionais e pesquisadores ao redor do mundo, capazes de ser uma espécie de “antena” sensível em um território específico, participando de projetos de observação e de pesquisas internacionais. O FCL iniciou seu observatório com 5 metrópoles – Londres, Paris, Milão, Tokyo e Nova York. Hoje, são 40 cidades ao redor do mundo, algumas chamadas cidades periféricas, que estão influenciando o consumo emergente. Assim, os correspondentes são uma janela para o a cena mundial.

Outras grandes empresas, como a WGSN e a Box 1824 trabalham com a mesma função: perceber os movimentos da sociedade, padrões repetitivos, locais e globais, para prever para onde, como e quando iremos.

Características do Cool Hunter

Se o campo de conhecimento é vasto, não por acaso, as habilidades que um Cool Hunter precisa ter são relacionadas a entender e ouvir as pessoas, cruzar informações dos quatro cantos do planeta e ter uma boa bagagem cultural, mantendo a mente e as estantes sempre atualizadas.

Curiosidade, observação, grande capacidade de comunicação, poder intuitivo e atitude aberta e tolerante, amor pelo conhecimento, viver na cidade que observa, além de uma boa capacidade fotográfica, já que trabalhamos também com a análise de muitas imagens.

Mais que uma profissão ou um estilo de vida, atuar em Cool Hunting é uma maneira de ver o mundo. Começar a perguntar o porquê das coisas e não dar nada como óbvio.

Objetivos do Cool Hunter

Detectar as mudanças que nascem nas motivações, gostos e preferências do consumidor antes que se convertam em massivos, com a intenção de utilizar esta informação para inovar e antecipar-se à concorrência.

Detectar qualquer tendência que possa inspirar um novo produto, marca, posicionamento, mensagem de comunicação, estratégia de mídia ou forma de distribuição.

Detectar mudanças na esfera social que podem supor novas necessidades dos consumidores; necessidades que, provavelmente, nem foram explícitas de forma clara, e que seriam muito difíceis de serem identificadas com métodos de investigação tradicionais.

Detectar o ponto de equilíbrio exato, onde a inovação chegue nem muito antes e nem muito depois. Trazer uma inovação que o consumidor tenha capacidade de compreender, porque, se for muito antes, o consumidor não consegue contemplá-la, e se for muito depois, já estará massificada.

Alcance do Cool Hunter

Dentro do mercado de tendências, encontramos tanto empresas que trabalham de uma forma mais abrangente como empresas que trabalham para segmentos ou categorias especificas de mercado.

Hoje, com a demanda por inovação, é cada vez mais comum encontrar dentro de grandes organizações um departamento interno voltado à pesquisas e Cool Hunting.

Dessa forma, Cool Hunting é uma nova função dentro organizações, que se posiciona na intersecção entre estratégia, marketing, pesquisa de mercado e I+D (Investigação e Desenvolvimento).

Missão do Cool Hunter

O Trabalho do Cool Hunter consiste em detectar mudanças e inovações a seu redor que possam inspirar uma ação orientada na melhora da competitividade da organização. Ou seja, mapear uma novidade antes que ela esteja massificada, para que os resultados aumentem, seja em produto, em comunicação, em distribuição, ou em marca.

Essa ação pode ser um novo produto, a otimização dos existentes, um slogan, uma nova forma de distribuição, uma embalagem, etc…

A missão do Cool Hunting é encontrar aquilo que é original e forte o suficiente para despertar a atenção das pessoas no futuro.

Seja um Cool Hunter

A Escola São Paulo, junto com Sabina Deweik, preparou um curso online com o objetivo de te ajudar a dar início à jornada para mergulhar no incrível mundo dos exploradores da modernidade.

No curso online de Cool Hunting, o participante começa a entrar em contato com a disciplina e com o percurso para se tornar um Cool Hunter, um caçador de tendências. Também é revelada a estrutura de como funcionam os laboratórios de pesquisa de tendências e comportamentos: a fase de observação, de interpretação e a geração de insights.

No curso, você vai aprender como observar e captar novos comportamentos nos mais diversos setores como moda, design, arquitetura, cultura, arte, cinema, literatura, interpretar esses sinais da sociedade (as tendências emergentes) e, com isso, gerar insights de inovação para o desenvolvimento de produtos, serviços, ações de comunicação, distribuição, varejo ou simplesmente tirar uma nova ideia do papel.

#escolasaopaulo #descubra #reinvente #viva

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ECONOMIA CRIATIVA NOS ESPAÇOS PÚBLICOS

A potência da economia criativa

No dia 16 de junho de 2018, Beyoncé e Jay-Z lançaram de surpresa o videoclipe de Apeshit, música que compõe Everything is Love, primeiro álbum gravado a quatro mãos pelo casal. Em 48 horas, o vídeo se tornou notícia em todo o mundo e superou 13 milhões de reproduções no YouTube, isso em meio à Copa do Mundo. À parte o inegável poder de atração do chamado casal real da música pop, chamou a atenção do público e da imprensa mundial o local escolhido para a gravação do videoclipe: o Museu do Louvre. “Eles visitaram o Louvre quatro vezes nos últimos dez anos. Na última vez, em maio de 2018, nos propuseram esta ideia. Os prazos eram muito curtos, mas o projeto convenceu rapidamente o Louvre, porque sua proposta demonstrava um verdadeiro vínculo com o museu e com as obras que os tinham marcado”, explicou um porta-voz do museu, o maior da Europa, ao jornal EL PAÍS.

O vídeo de Apeshit apresenta 17 obras de arte renomadas (pinturas e esculturas) como O casamento em Caná, de Veronese, a A balsa da Medusa, de Géricault, A Coroação de Napoleão, de Jacques-Louis David, Vênus de Milo (100 a.C.), A Grande Esfinge de Tânis (2686-2160 a.C) A Balsa da Medusa, de Théodore Géricault, e Mona Lisa, de Leonardo da Vinci. O enorme sucesso da produção fez com que o Louvre abrisse ao público (quase um mês depois) um tour guiado com a sequência de obras que aparecem no videoclipe. O percurso tem duração de 1h30.

Esta é a segunda vez que o Louvre organiza uma mostra inspirada em um artista pop. A primeira foi motivada pela música Smile Mona Lisa, do rapper will.i.am. A iniciativa tem como foco principal atrair, ampliar e formar público (desde os atentados de 2015, o museu viu diminuir em 13% o número de visitantes – 70% dos frequentadores do museu são turistas. Mas, além disso, representa também uma tendência entre museus e outras instituições de arte no mundo: se abrir a novas estratégicas para se manter atualizado e, principalmente, vivo.

A abertura de museus para desfiles de moda e gravação de filmes e videoclipes é uma delas. “Falta dinheiro, e os edifícios públicos servem para arrecadá-lo“, explica, Sophie Rastoin Sandoz, chefe pela agência parisiense L’Invitation, em entrevista ao EL PAÍS. A instituição é responsável por encontrar locações em toda a Europa para filmagens e evento de marcas de luxo, bancos, seguradoras e agências de comunicação. Em 2014, o Louvre recebia pouco mais de cem rodagens. Em 2017, foram 500, quase metade das realizadas na capital francesa. “O clipe no Louvre, um baluarte da cultura ocidental, representa uma abertura da cultura europeia e da cultura parisiense – da tradição – ao campo pop”, analisa o curador geral do Museu Brasileiro da Escultura (MuBE) e professor da Pontifícia Universidade Católica de São Paulo (PUC-SP) Cauê Alvez em entrevista ao G1.

E a economia criativa no Brasil…

Para além das questões econômicas, a iniciativa do Louvre mostra também o quanto é possível ser inventivo no universo da economia criativa e como os setores que a compõem podem trabalhar em conjunto por um mesmo objetivo (e não de maneira isolada e em nichos específicos). Um movimento que está em curso também no Brasil. O antigo Ministério da Cultura (MinC) e a Agência Brasileira de Promoção de Exportações e Investimentos (Apex-Brasil), por exemplo, realizaram em novembro de 2018, o Mercado das Indústrias Criativas do Brasil (MicBR), evento que teve justamente o objetivo de estimular a integração de todos os setores culturais e criativos brasileiros.

Entre os países emergentes, o Brasil é considerado um dos maiores mercados para a economia criativa (somos o maior mercado de vídeo on demand, tv paga, música e games da América Latina, segundo dados da consultoria PwC, por exemplo). “As atividades culturais e criativas já representam 2,6% do PIB brasileiro, geram 1 milhão de empregos diretos e englobam mais de 200 mil empresas e instituições. Há um vasto potencial de crescimento e isso passa também pela internacionalização dos nossos talentos e da nossa valiosa produção cultural”, afirmou durante o evento o ex-ministro da Cultura, Sérgio Sá Leitão, hoje Secretário Estadual de Cultura e Economia Criativa do Estado de São Paulo. Quanto mais fortalecido e diverso for o setor, mais impactante (e interessante) serão as iniciativas. Viva a criatividade!

Criatividade para usar espaços

Esse movimento internacional de tornar os espaços cada vez mais democráticos e aproximar o público de museus e instituições culturais, também já acontece no Brasil.

Os arquitetos Mila Strauss e Marcos Paulo Caldeira, nossos professores no curso online de Arquitetura e Urbanismo, defendem a ideia de espaços multifuncionais, ou seja, uma área só atendendo vários usos. Acreditam que usar o mesmo imóvel para diversas funções, principalmente imóveis públicos, faz parte de um processo de urbanização que as grandes metrópoles precisam passar.

“Quanto maior o número de funções ou de utilizações você inventar para aquela metragem quadrada dentro de uma metrópole, mais você otimizará sua receita”, conta Marcos Paulo Caldeira, no curso online.

Os dois arquitetos foram convidados, alguns anos atrás, para participar da revitalização de um espaço em cima do túnel da Avenida 9 de Julho, que era um espaço quase que invisível – o Mirante 9 de Julho, que na época era um espaço quase que residual. Hoje, depois de revitalizado, é um espaço aberto ao público, com atividades culturais e um café, e voltou a ser um ponto turístico da cidade. Durante o processo, Mila e Marcos tinham uma questão em mente: como devolver esse espaço para a cidade, tornando-o um espaço seguro, onde as pessoas frequentassem? Estudaram muito a história dele, um mirante que, desde o início, já tinha a característica de ser utilizado para contemplar o centro da cidade. Tentaram potencializar essa atividade. Foram muitos estudos e pesquisas para entender a população local, como a cidade poderia ativar esse espaço e usá-lo de forma a integrar todos os usos que estavam nesse lugar – pessoas que passavam pela 9 de Julho, moradores locais, pessoas que usavam a Avenida Paulista, e as que usavam o MASP.

O ícone abandonado foi retomado e agora constrói uma nova história, já cheia de expectativas. As mudanças no Mirante incluem visual moderno, balcões de madeira construídos em cada lado, infraestrutura usada como restaurante e café. Durante o dia, o Mirante 9 de Julho é aberto como ponto de encontro para trabalho, reuniões e palestras. Existe um coworking de uso livre, sem taxas, que disponibiliza internet, mesa, espaço, comida boa e café para quem precisa.

Descendo uma escadaria de 1932 em espiral, bem estreita, encontrada durante as obras da reforma, você encontra a chamada Galeria Vertigem, outro pequeno espaço expositivo. Um espaço onde diferentes iniciativas podem dialogar: arte urbana, projetos musicais, exibições de filmes ao ar livre e feiras independentes, com curadoria do produtor cultural Akin Bicudo. Um lugar que celebra um novo momento de resgate da cidade e ocupação dos espaços públicos.

A ideia dos envolvidos no projeto é fazer com que o Mirante seja um suporte artístico, especialmente dedicado a performance. Ainda recebe feiras independentes, mostras de arte urbana, intervenções culturais de grupos de dança e música e sessões de cinema ao ar livre. Abriga o projeto “Mercado Efêmero”; que dá oportunidade a chefs que ainda não possuem seus próprios estabelecimentos poderem usufruir da estrutura. Os pratos do restaurante custam no máximo R$ 25 e toda a programação cultural é gratuita.

• As imagens contidas nesse post são de divulgação do videoclipe Apeshit!

#escolasaopaulo #descubra #reinvente #viva

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CAMPANHA MOBILIZA INDÚSTRIA POR MODA JUSTA, SEGURA E TRANSPARENTE

Quinta edição brasileira da Semana Fashion Revolution ocorrerá em 51 cidades até 28 de abril

A Semana Fashion Revolution, campanha anual que ocorre em mais de 100 países, mobiliza pessoas para atuar por uma indústria da moda mais justa, segura e transparente. Até o dia 28 de abril, espera-se mais de 275 milhões de participantes ao redor do mundo. No Brasil, mais de 80 faculdades, 51 cidades de 19 estados e o Distrito Federal, vão realizar atividades para debater a futura indústria da moda, que respeita as pessoas e o planeta com trabalho justo e decente, proteção ambiental e igualdade de gênero.

A Semana Fashion Revolution 2019 começou no Dia da Terra, 22 de abril, e oferecerá ações positivas que todos e todas podem adotar para reduzir a pegada de carbono das roupas, além de destacar o impacto devastador da indústria da moda no aquecimento global. Brasil afora serão realizados mais de 500 eventos, com atividades diversas, como palestras, trocas de roupas, exibição de filmes, painéis de discussão, rodas de conversa e oficinas.

A sustentabilidade da indústria da moda está cada vez mais sob escrutínio, mas as violações dos direitos humanos, a desigualdade de gênero e a degradação ambiental também continuam abundantes. Pesquisa da Global Slavery Index encontrou 40,3 milhões de pessoas em situação de escravidão moderna em 2016, das quais 71% são mulheres. Os dados mostram que as peças de vestuário estão entre os itens com maior risco de serem produzidos por meio da escravidão moderna.

O assédio sexual, a discriminação e a violência baseada em gênero contra as mulheres são endêmicos na indústria global de vestuário, em que elas representam 80% da força de trabalho global. A produção mundial de têxteis emite 1,2 bilhões de toneladas de gases de efeito estufa por ano, mais do que os voos internacionais e o transporte marítimo combinados. Estamos produzindo 53 milhões de toneladas de fibras para confeccionar roupas e têxteis anualmente, apenas para aterrar ou queimar 73% dessas fibras.

Mudanças na indústria

Não é mais possível viver em um mundo onde nossas roupas destroem o meio ambiente, prejudicam ou exploram as pessoas e reforçam as desigualdades de gênero. Este não é um modelo de negócios sustentável. A indústria da moda deve medir o sucesso além das vendas e lucros e valorizar igualmente o crescimento financeiro, o bem-estar humano e a sustentabilidade ambiental. É urgente uma indústria de moda transparente e que se responsabilize pelas suas práticas e impactos sociais e ambientais.

Mudanças culturais

A cada compra, uso e descarte de roupas, é gerada uma pegada ambiental e um impacto nas pessoas que as produzem – na maioria, mulheres. É preciso promover mudanças culturais para um consumo mais consciente e que as pessoas reconheçam seus próprios impactos ambientais e atuem para mudar a cultura da moda.

Mudanças políticas

A transparência e a responsabilidade social e ambiental da indústria global da moda devem estar na agenda governamental de todos os países. Com os regulamentos e incentivos corretos em vigor e devidamente implementados, o governo pode incentivar uma “corrida pelo primeiro lugar”, na qual pessoas e empresas recebam apoio e incentivo para adotar mentalidades e práticas mais responsáveis e sustentáveis.

“Moda revolucionária é aquela que faz bem para todos: para a Terra, para quem fez e para quem usa. Lembrar que moda, representatividade e liberdade devem estar na mesma página”, diz Fernanda Simon, Diretora Executiva do Fashion Revolution Brasil.

Para acompanhar as notícias e eventos, siga as hashtags #QuemFezMinhasRoupas, #EuFizSuasRoupas e #FashionRevolution.

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AINDA HÁ ESCRAVOS POR TRÁS DAS ROUPAS

Bolivianos resgatados na Grande São Paulo costurando por R$ 1 a peça reforçam a mensagem que ainda há muito o que se fazer

Em algumas palestras, eu começo perguntando qual a primeira palavra que vem à cabeça quando se pensa em moda. Em diferentes turmas, o resultado é quase o mesmo, as pessoas pensam em glamour, roupas, desfiles, compras e negócios.

Duas coisas sempre me espantam: a maneira como fomos nos distanciando do verdadeiro significado das nossas roupas, algo tão próximo de nós, e como ninguém nunca fala a palavra vida. Eu vejo vida por trás das roupas.

Costurar, bordar, cortar e tingir são trabalhos nobres, que exigem habilidades manuais, saberes tradicionais e minuciosos. Quando olhamos para a história da moda, vemos certos momentos em que os alfaiates eram extremamente valorizados, como pelo Rei Luís XV, conhecido como Rei Sol, criador do salto alto e da sazonalidade.ADVERTISING

Assim como o artesanal mais fino da Alta-Costura (Haute-couture, termo protegido juridicamente para determinadas empresas que atendem certos padrões de costura). Mas em qual momento esse profissional passou a ser explorado?

A indústria têxtil foi um dos setores líderes durante a Revolução Industrial, com uma representativa força feminina de trabalho. Contudo, a chegada das máquinas às fábricas não levou à uma melhora na maneira como os trabalhadores eram tratados e valorizados.

Por volta de 1850, na Inglaterra, surgiu o termo sweatshop, fábricas têxteis ou de confecção caracterizadas por oferecerem trabalhos precários, jornadas exaustivas, baixos pagamentos e ambientes insalubres.

As sweatshops rapidamente se espalharam pelo mundo, em cidades como Nova York, por exemplo, empregando principalmente mulheres, migrantes que vinham do campo e imigrantes.

Claro que essa corrida por alta produção à custa do suor humano não poderia resultar em algo positivo. No dia 25 de março de 1911, um desastre marcou a história: um grande incêndio na fábrica da Triangle Shirtwaist, em Nova York, causou a morte de mais de 100 mulheres.

O acidente foi o ponto inicial da organização das mulheres para a criação de sindicatos trabalhistas essenciais na luta e garantia de seus direitos e segurança.

Ainda assim, o modelo de produção “mais por menos” seguiu sendo adotado em diversas partes do mundo, e deslocado, principalmente, para países asiáticos onde as leis são mais precárias. Consequentemente, acidentes na indústria da moda continuam acontecendo, inclusive em fábricas de grandes marcas globais.

A tragédia do Rana Plaza, prédio que abrigava confecções e desabou em 2013 em Bangladesh, matando mais de mil pessoas e deixando outras 2 mil feridas, foi o estopim para o surgimento do movimento global Fashion Revolution.

Como contraponto ao cenário de exploração, o Fashion Revolution surgiu alinhado à uma crescente demanda por marcas e produtos mais transparentes, éticos e sustentáveis.

Com um trabalho intenso, a disseminação de sua mensagem principal, o questionamento e valorização de quem faz nossas roupas, se espalhou por mais de 100 países, ganhando força e destaque, inclusive no Brasil.

Este ano, no mesmo mês do Dia Nacional do Combate ao Trabalho Escravo, dia 28 de janeiro, duas notícias nos provam que a revolução da moda ainda tem um longo caminho para atingir seu objetivo.

Em Carapicuíba, na Grande São Paulo, 33 bolivianos foram resgatados vivendo em condições precárias e costurando por R$ 1 a peça, e em Bangladesh mulheres trabalhavam 16 horas por dia em condições análogas à escravidão para costurar camisetas com frases de empoderamento feminino para uma campanha do grupo Spicy Girls com a organização Comic Relief.

A mudança só será efetiva quando for pensada de forma sistêmica. Por isso, na campanha de 2019 a Semana Fashion Revolution trabalhará em cima de três pilares fundamentais para transformações radicais na maneira como as roupas são pensadas, feitas e consumidas: ativações sociais para incentivar mudanças culturais, como comportamento de consumo e mudanças de hábitos; exigir que as marcas mostrem suas cadeias de fornecedores de maneira mais humana, contando histórias e mostrando como o trabalhador está sendo valorizado, para aproximar quem compra de quem faz; e, no âmbito público, em tempos de tantos retrocessos políticos, o engajamento se torna fundamental para entender como podemos incentivar melhorias e novas políticas públicas para proteger e valorizar o trabalhador do setor.

O caminho é longo e exige união dos atores. Mas o mais importante é entender que todos fazemos parte da solução e temos nela um papel fundamental. Eu sigo acreditando que o mundo está em evolução constante e que, mesmo com o clima de escuridão que estamos atravessando, há luz no fim do túnel. A moda é minha ferramenta de transformação. Espero que, através da roupa, indivíduos e comunidades sejam atingidas positivamente.

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POR QUE TRANSPARÊNCIA IMPORTA PARA A INDÚSTRIA DA MODA?

Gigante na indústria têxtil, Brasil ganha Índice de Transparência da Moda

Quando o edifício Rana Plaza desabou há cinco anos em Bangladesh, matando e ferindo milhares de trabalhadores, as pessoas tiveram que vasculhar os escombros à procura das etiquetas das roupas para descobrir quais marcas estavam ligadas às cinco confecções do prédio.

Em alguns casos, levou semanas para as marcas deliberarem sobre como suas etiquetas foram encontradas entre os escombros e que tipo de contratos de compra elas tinham com aqueles fornecedores. Muitas marcas que estavam sendo fornecidas pelas confecções dentro do Rana Plaza não sabiam que suas peças estavam sendo produzidas lá.

Atualmente, a grande maioria das marcas e varejistas não possui fábricas próprias, o que dificulta o monitoramento ou controle das condições de trabalho ao longo de uma cadeia de fornecimento altamente globalizada. Isso, às vezes, pode ser usado como uma desculpa para que as empresas se esquivem da responsabilidade sobre sua produção.

Uma marca pode fazer um pedido de produção para um fornecedor, que divide o pedido e subcontrata o trabalho com outras fábricas. Mas a subcontratação não autorizada faz com que os trabalhadores se tornem invisíveis na cadeia de fornecimento e pode abrir espaço para a violação dos direitos humanos e degradação ambiental.

Logo após o desastre do Rana Plaza, ficou muito claro que a indústria da moda precisava de mudanças urgentes e transformadoras. O primeiro passo para essa mudança implica em dar muito mais transparência e visibilidade sobre as relações comerciais com fornecedores, condições de trabalho e impactos ambientais ao longo de toda a cadeia.

Os consumidores não querem comprar roupas feitas por pessoas que trabalhem em perigo, sendo exploradas e mal remuneradas em ambientes poluídos.

Porém, simplesmente não há informação suficiente disponível sobre as roupas que usamos. O Fashion Revolution trabalha para mudar esse cenário exigindo mais transparência da indústria da moda – o Índice de Transparência da Moda é uma das ferramentas criadas para auxiliar nesse sentido.

Quando estamos munidos de mais informações – de melhor qualidade e credibilidade – sobre os impactos sociais e ambientais das roupas que compramos, somos capazes de fazer escolhas de compras mais conscientes. Dessa forma, entendemos que a transparência constrói confiança nos consumidores em relação às marcas.

Maior transparência e responsabilização também significa que os problemas podem ser resolvidos e as soluções podem ser encontradas mais rapidamente ao longo da cadeia de fornecimento.

A primeira edição do Índice de Transparência da Moda Brasil foi elaborada pelas equipes do Fashion Revolution global e Fashion Revolution Brasil e contou com a parceria técnica do Centro de Estudos em Sustentabilidade da Fundação Getulio Vargas (FGVces).

Para o Fashion Revolution, transparência significa a divulgação pública de dados e informações confiáveis, compreensíveis e comparáveis sobre as políticas, práticas e impactos de marcas e varejistas em relação aos seus trabalhadores, às comunidades e ao meio ambiente ao longo de toda a cadeia de valor.

O Índice de Transparência da Moda existe globalmente desde 2016 e chegou ao Brasil em 2018 para revisar e classificar 20 das maiores marcas que operam em território nacional.

O Brasil é um dos principais polos têxteis do mundo e representa o quarto maior parque produtivo de confecção, empregando 1,479 milhão de funcionários diretos, dos quais 75% são mulheres.

O país é ainda a maior Cadeia Têxtil completa do Ocidente, que contempla desde a produção das fibras, como o algodão, passando por fiação, tecelagem, beneficiamento, confecção e varejo, até as passarelas.

Reforçando sua relevância como um dos principais atores do setor, o Brasil é o primeiro país a ter uma edição nacional do Índice de Transparência da Moda, enfatizando a necessidade de aprofundar as discussões locais sobre a importância da transparência na construção de uma indústria da moda com melhores práticas.

Mas ainda são muitas as empresas que não abrem suas informações. Entre as 20 empresas revisadas no Índice brasileiro, 8 (40%) obtiveram resultado de 0%. A pontuação média das marcas foi de 17%, onde apenas 2 pontuaram acima de 50% e nenhuma alcançou mais de 60%.

É importante lembrar que transparência é um meio para a mudança e não um fim. Ela funciona como uma valiosa ferramenta para orientar as empresas a uma cultura de autoanálise e prestação de contas, levando a mudanças na forma como os negócios são conduzidos e, consequentemente, traz melhorias nas condições de trabalho e práticas socioambientais ao longo de toda a indústria.

Portanto, divulgar informações publicamente pode trazer benefícios significativos e de longo prazo para as empresas, gerar melhores resultados para os trabalhadores, mitigar impactos sociais e ambientais e facilitar o acesso a informação aos consumidores.

Baixe o Índice de Transparência da Moda Brasil 2018 aqui e acesse o site para saber mais sobre o Fashion Revolution.

Por Eloisa Artuso

Eloisa Artuso é designer, pesquisadora, diretora educacional do Fashion Revolution Brasil e professora de Design Sustentável. 

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PARABÉNS, SÃO PAULO!

É hoje! São Paulo faz 465 anos, cheia de amor para dar. Dá uma olhada nessas dicas que a gente preparou para quem estiver por aqui.

Tem mini-SP na Rua. Os principais coletivos e Djs da cidade se reúnem para uma grande festa no Vale do Anhangabaú, com ODD, Pilantragi, Santo Forte, Mamba Negra, e muito mais. E ainda tem Paulinho da Viola e convidados: Beatriz Rabello, Fabiana Cozza e Rodrigo Campos, em show super aguardado, às 16h.

Na Pinacoteca tem reinauguração do auditório, com pocket-show de Zezé Mota.

No CCBB tem o Centro do Rap, com uma programação que vai até domingo com as MCs Alt Niss (hoje), Bivolt (sábado) e Edi Rock no domingo.

Hoje tem também show no Sesc Vila Mariana para o lançamento do disco São Paulo: paisagens sonoras (1830-1880), em que a pesquisadora Anna Maria Kieffer fez uma catalogação de sons da capital paulista.

Acontece hoje uma apresentação gratuita do Balé da Cidade no teatro Municipal a partir das 18h. O espetáculo é Risco, dirigido pelo incrível Ismael Ivo.

No sábado abre na Casa da Luz a exposição Jungle Juice | The Guerrilla Queens, com inéditas de André Niemeyer e participações de Lyz Parayzo e Arthur Scovino Dantas. Os trabalhos refletem sobre a condição LGBT a partir de influências da pop art e de C.G. Jung.

A Paulista, claro, está cheia de atrações: 

No IMS tem o Conjunto João Rubinato, que mostra 12 canções inéditas de Adoniran Barbosa com participações de Eduardo Gudin, Toinho Melodia e Sergio Rubinato. No Sesc tem A Espetacular Charanga do França e na Fiesp a Nômade Orquestra toca com Black Alien.

No Sesc Consolação abre a exposição Não Temos Condições de Responder a Todos, que reúne coleções de fanzines, cassetes e cartas da música independente, especialmente do punk e punk-rock, entre os anos 80 e 90 com curadoria de Alexandre Cruz Sesper. A Maglore comemora 10 anos de carreira no Cine Joia, também nesta sexta.

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GLAUBER, O CINEASTA PENSADOR

Contestador e revolucionário, Glauber Rocha é uma das figuras mais emblemáticas do cinema nacional. Integrante do Cinema Novo, importante movimento da década de 1960 que ia de encontro às produções de Hollywood e pautava-se em temas políticos e sociais, ele buscava retratar em seus filmes o espírito de seu tempo e criar um cinema com estética genuinamente brasileira. Nascido em Vitória da Conquista, na Bahia, em 1939, foi em Salvador que Glauber, adolescente, teve seu primeiro contato com o cinema, por meio do Clube de Cinema da Bahia no qual ele assistia a filmes do neorrealismo da Itália e clássicos do cinema mundial.  

Com o lema “uma câmera na mão e uma ideia na cabeça” e a proposta de fazer um cinema autoral, ele criou a chamada “estética da fome”, uma adequação da linguagem cinematográfica à escassez de recursos no Brasil. “É uma estética que rompe de forma bem nítida com a tradição do cinema clássico e sua linguagem, as regras de montagem, de composição dos planos, de encenação. Tudo isso para montar um cinema dentro de condições precárias de produção”, explica Ismail Xavier, teórico de cinema e professor emérito da Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo (USP), em entrevista ao Nexo. “Isso leva a uma diferente noção de montagem que passa a incluir a ideia de descontinuidade, uma forma mais agressiva de compor a cena, uma forma completamente distinta de dirigir os atores, dando maior espaço para o improviso, para relações tensas entre câmera e ator e construindo toda uma dramaturgia”, completa.   

Por conta das características experimentais e inovadoras, suas obras são, até hoje, lidas por algumas pessoas como difíceis e complexas. “Esse tipo de experimentação fez do cinema dele algo sofisticado e que, ao mesmo tempo, traduz nas imagens e nos sons a visceralidade, a brutalidade que caracteriza a violência colonial da qual nasceu o Brasil. Ele queria produzir a violência esteticamente, sem fazer dela um espetáculo à la Hollywood”, analisa Jair Fonseca, professor de Literatura e Cinema da Universidade Federal de Santa Catarina, em entrevista ao DW. Ao longo de sua carreira, Glauber dirigiu nove longa-metragens, alguns premiados em importantes festivais da Europa, como o de Cannes. 

Dentre suas obras mais famosas estão Terra em Transe (que retrata a instabilidade política do país na época e que completou 50 anos em 2017), Deus e o Diabo na Terra do Sol (que tem o sertão como cenário, explora a cultura do Nordeste e mistura linguagens como teatro e ópera) e O Dragão da Maldade Contra o Santo Guerreiro, produção que tem fãs famosos, como o cineasta italo-americano Martin Scorsese (os dois diretores eram amigos). “É o filme que eu vivo revendo e continuo mostrando às pessoas, se eu acho que elas merecem (risos). Às vezes, elas não merecem, pois certas pessoas são como zumbis, não têm sentimentos ou coisa parecida. Eu não sei, acho que é bom mostrá-lo para as pessoas que possam ser ajudadas no seu trabalho. Mesmo até se elas rejeitarem o filme, pois já é algum tipo de reação. Melhor do que vem sendo apresentado ultimamente. Eu fico indo e voltando com ‘O Dragão’ e a música não sai da minha cabeça e além do mais, eu o conheço de ponta a ponta”, disse o diretor em entrevista à Folha de S.Paulo.  

Mais do que uma revolução estética e autoral, Glauber buscou retratar em seus filmes as inquietudes do Brasil (e da América Latina) de sua época e utilizar o cinema como plataforma para questionar problemas políticos e sociais e propor mudanças. “A obra do Glauber foi talvez a que estabeleceu o padrão de exigência mais alto na conjugação entre experimentação estética radical, esforço de pensar os impasses da experiência social brasileira e de intervir também no debate político do seu tempo. Nessa conjugação, nenhuma obra de cinema no Brasil foi tão longe”, analisa Mateus Araújo, professor da Universidade de São Paulo (USP), em entrevista ao Nexo.  

“Eu não faço um cinema convencional. Quer dizer, o meu tipo de filme é uma coisa que sai .… de um outro espaço, e não obedece muito as leis da dramaturgia convencional, de modo que as pessoas ficam chocadas”, declarou Glauber, certa vez. Sua produção, contudo, não ficou datada e segue hoje mais atual e oportuna do que nunca. O cineasta faleceu em 1981, aos 42 anos, no Rio de Janeiro.  

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BERGMAN, O CINEASTA DAS ANGÚSTIAS EXISTENCIAIS

“Eu quero que o público sinta os meus filmes. Isso é muito mais importante para mim do que compreendê-los.” Era dessa maneira que o diretor Ingmar Bergman encarava a sua produção cinematográfica, uma das mais importantes do século XX. Considerado uma das principais referências do drama existêncial no cinema mundial, o realizador sueco, que completaria 100 anos em 2018, criou filmes que discutem temas como repressão sexual, moral religiosa, relacionamentos em crise, autoritarismo nas relações familiares, solidão e o sentido da vida. Parece atual, não? 

Nascido em Uppsala, um dos principais centros religiosos da Suécia, Bergman era filho de um pastor luterano, Erik Bergman, a quem o diretor descrevia como um “monstro frio” amável na igreja, mas extremamente rígido em casa. Ele os dois irmãos cresceram em um ambiente familiar bastante rigoroso e conservador. “A maior parte de nossa educação era baseada em conceitos como pecado, confissão, castigo, perdão e misericórdia, fatores concretos nas relações entre pais e filhos e com Deus”, escreveu o cineasta na autobiografia Lanterna Mágica. Os tormentos da infância foram revisitados por Bergman no filme autobiográfico Fanny e Alexander, de 1982, vencedor do Oscar de melhor filme estrangeiro, fotografia e direção de arte e a produção estrangeira com maior número de Oscars da história, ao lado de O Tigre o Dragão, do diretor Ang Lee. 

A lanterna mágica da autobiografia faz referência a um cinematógrafo que o irmão mais velho dele ganhou de presente de Natal e pelo qual Bergman trocou sua coleção de soldadinhos de chumbo. É também considerado por ele o momento em que teve início o seu interesse pela sétima arte – isso e as sessões de cinema em que ia com a avó (sem o pai saber) na mesma época. No quarto, sozinho, o diretor posicionava o cinematógrafo, projetava sobre a parede imagens de diversos objetos e ali criava suas primeiras narrativas. “Sempre que desejo posso trazer de volta o cheiro do metal aquecido, os odores do remédio contra traças e da poeira do guarda-roupa, sinto a manivela na minha mão, o tremor do retângulo na parede”, declarou certa vez.  

Sua estreia no cinema acontece em 1944 como roteirista do filme A Tortura do Desejo. A carreira como diretor começa em 1947 com Um Barco para a Índia. Dez anos depois, ele alcança sucesso mundial com os filmes O Sétimo Selo (épico ambientado no período da Peste Negra no qual foi criado um dos planos mais memoráveis do cinema em que um cavaleiro medieval, interpretado por Max Von Sydow, joga xadrez com a morte) e Morangos Silvestres, um drama estrelado por Victor Sjöström, considerado o pai do cinema sueco. Não à toa, o documentário Bergman – 100 Anos, da cineasta Jane Magnusson, lançado em 2018, tem como foco o ano de 1957.  

Ao longo de mais de 60 anos de carreira, Bergman criou filmes que revolucionaram a produção cinematográfica no mundo graças à sua iniciativa de subverter regras e acrescentar à linguagem do cinema novos elementos. Fora a abordagem de temáticas existenciais, tornaram-se características de seus filmes as narrativas fragmentadas; a habilidade de trabalhar com os contrastes entre luz e sombra; seu interesse por histórias protagonizadas por mulheres; e as tomadas tão próximas do rosto dos atores que fazem o público conseguir captar precisamente os medos e anseios dos protagonistas. “O close-up em um ator, quando corretamente iluminado, dirigido e atuado, continua sendo o auge da cinematografia. Aquele contato estranho e misterioso que você pode de repente experimentar com uma outra alma através do olhar de um ator. Um pensamento súbito, um sangue que escorre pelo rosto, as narinas trêmulas, a pele repentinamente brilhante ou o silêncio mudo. Esses para mim são alguns dos momentos mais fascinantes e incríveis que você irá experimentar.” 

Somam-se ainda outras obras-primas como Fonte da Donzela, Sonata de Outono, Persona e Gritos e Sussurros (essas duas últimas as preferidas do diretor “Foi o mais longe a que cheguei”), o diretor foi premiado sete vezes no Festival de Cannes (incluindo a Palma das Palmas, prêmio inédito até hoje) e ganhou dois Ursos de Ouro no Festival de Berlim, um Leão de Ouro no Festival de Veneza e três vezes o Oscar de melhor filme estrangeiro. Seu trabalho influenciou diretores como Woody Allen (que homenageia Morangos Silvestres em Descontruindo Harry), Andrei Tarkovsky, Martin Scorsese, Pedro Almodóvar, François Ozon, Asghar Farhadi, Lars von Trier e Guilhermo del Toro. A Bravo! fez uma ótima seleção dos cinco filmes essenciais para entender a obra do diretor sueco. 

Bergman era integrante de uma geração de cineastas que buscava criar obras autorais (dos longas-metragens que dirigiu, apenas seis não são baseados em um roteiro que assinou), sérias e artísticas cujo valor não pudesse ser mensurado apenas pelo sucesso nas bilheterias. Além disso, seu objetivo era fazer filmes que falassem diretamente com o inconsciente coletivo do público. “Nenhuma outra forma de arte vai além da consciência ordinária como o cinema, que vai direto nas nossas emoções, fundo no crepúsculo da alma.”  

Fora o trabalho no cinema, o diretor também atuou no teatro, produzindo 126 espetáculos (costumava dizer que era um homem de teatro, sua primeira grande paixão), além de 39 peças de rádio e programas para a televisão. Em uma das cenas mais icônicas de o Sétimo Selo, a morte pergunta ao cavaleiro se ele nunca para de se questionar ao passo que ele responde “não, eu nunca paro”.  Bergman seguiu com seus questionamentos existenciais até 2003, quando se aposentou aos 85 anos. Ele morreu em 2007, aos 89 anos, sozinho em sua casa na Ilha de Faro, cenário de muitos de seus filmes. Muito mais que filmes “intelectuais”, ele deixou um legado de obras que nos ajudam a entender quem somos e qual é o real sentido da vida.  

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POR UM CINEMA MAIS PLURAL

Quem faz os filmes que assistimos?

Integrante da chamada economia criativa (que movimenta em torno de US$ 8 trilhões por ano), o Cinema é uma plataforma que, em tese, deveria representar em suas narrativas a diversidade que a sociedade tanto tem discutido. No entanto, ao longo da história, não tem cumprido o seu papel. Um levantamento feito pela Universidade do Sul da Califórnia (USC) identificou que, em dez anos, de 1.100 filmes produzidos em Hollywood, apenas quatro tiveram diretoras negras. Das cem melhores obras do ano de 2017, 70% dos personagens eram brancos.

A pesquisa da USC também identificou que a cada 60 homens diretores de filmes de ação, há uma mulher na mesma função. Em entrevista ao Estadão, a pesquisadora Andrea Cotrim avalia que o perfil feminino do audiovisual estadunidense está submetido aos homens, sobretudo quando se trata de mulheres negras. “A questão da dominação da mulher negra no cinema ainda é um fetiche para boa parte de um público que a vê como atrevida, briguenta ou sensual. E a hipersensualização dessas atrizes está a serviço do imaginário masculino”, afirma ela, autora da tese O sensível (não) partilhado: a violência poética e política da (ir)representação do negro em Hollywood.

O cenário é classificado pela cientista social Stacy Smith como uma “epidemia da invisibilidade”. O termo é apresentado por ela em 2016 em um TED talk sobre como as mulheres são historicamente subrepresentadas nas produções de Hollywood. Fundadora e diretora da Annenberg Inclusion Initiative e responsável pela pesquisa da USC, ela também fala na palestra sobre a “inclusion rider”, cláusula que artistas podem pedir para ser incluída em seus contratos e que exige cotas de diversidade na composição de elenco e equipe da produção.

Na visão dela, a iniciativa é uma das ações que podem ser empregadas pela indústria para mudar a atual realidade. Ganhadora do Oscar de Melhor Atriz em 2018, a atriz Frances McDormand citou o termo em seu discurso e reforçou a importância da diversidade em sua declaração no Globo de Ouro, logo após ser premiada como Melhor Atriz. “Confie em mim, as mulheres nesta sala hoje à noite não estão aqui para a comida. Estamos aqui para o trabalho. Obrigada.”

Recentemente, o estúdio Warner anunciou que vai aplicar o “inclusion rider” em toda a extensão da empresa, incluindo as produções de HBO e Turner. O filme Just Mercy, com Michael B. Jordan no papel principal, já será rodado dentro desta proposta. Em evento da Television Critics Association (TCA), produtoras de séries televisivas de sucesso como American Horror Story, The Americans e Scandal pediram publicamente a adoção de cotas de gênero nas produções.

Cenário nacional

A falta de representatividade também é uma realidade nas produções audiovisuais brasileiras. Dos 142 longas-metragens lançados em 2016, 75,4% foram dirigidos por homens brancos, segundo dados de uma pesquisa da Comissão de Gênero e Diversidade da Agência Nacional de Cinema (Ancine) divulgada no início deste ano. Nenhuma destas produções foi dirigida ou teve como roteirista uma mulher negra. “Ter 0% de mulheres negras na direção ou no roteiro é assustador. É uma discriminação forte e palpável, porque existem diretoras e roteiristas negras, mas elas não estão sendo chamadas”, avalia Luana Rufino, superintendente de Análise de Mercado da Ancine e coordenadora da pesquisa, em entrevista ao El País.

O levantamento também analisou o elenco de 97 filmes que foram lançados em 2016 (827 atores e atrizes) e identificou que as mulheres aparecem em 40,6% (mesmo sendo a maioria da população brasileira – 51%) e os negros estão presentes em apenas 13,4% (apesar de representarem 54% da população). Em 42% dos filmes, não houve nenhum ator negro ou pardo. “Me surpreendeu o fato de o elenco principal ter tão pouca representação negra. Isso significa que a população brasileira não está se enxergando no audiovisual”, analisa Rufino na reportagem do El País.

Para mudar este cenário, a Ancine incluiu cotas para diretores negros e indígenas e para cineastas mulheres no edital do Concurso Produção para Cinema 2018. Do orçamento de R$ 100 milhões do edital, 35% ficou reservado para propostas com diretoras mulheres (incluindo transexuais e travestis) e pelo menos 10% para iniciativas de diretores negros e indígenas. Além da proposta do governo, há em curso outras iniciativas que buscam trazer mais diversidade para o nosso cinema, o segundo maior mercado consumidor da América Latina em receita, segundo dados do Ministério da Cultura (MinC).

Um exemplo é a Maria Produtora, empresa focada em criar conteúdo negro e feminino sobre a cultura nacional para cinema e TV. Um dos projetos em desenvolvimento é um longa-metragem sobre a escritora negra Carolina Maria de Jesus. “A gente tem muitas histórias negras que não foram contadas e passaram batidas nos livros didáticos. Elas têm que estar nas telas, até porque o racismo não atinge só os negros, mas também os brancos pelo apagamento cultural”, afirma a atriz Maria Gal, fundadora da iniciativa, em entrevista ao Estadão.

Segundo a Cool Hunter Sabina Deweik, o caráter único é o que diferencia. “A diversidade não é momentânea, não é tema de nicho, ela permite a inclusão de quem ficou a parte durante muito tempo. É o ponto de partida para ficarmos mais perto das pessoas e do consumidor.”

O cinema, assim como outros setores da economia criativa, deve se pautar na criação de obras que reflitam pluralidade cultural que há no mundo. Como diz Stacy Smith em seu TED talk, o público precisa e merece mais e se fizermos algo em prol disso, hoje garantiremos que a nova geração de espectadores assista na grande tela narrativas que nós não pudemos ver. Mais igualitárias, mais reais. Com um cinema plural, todos (mercado e público) saem ganhando.

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